AUTOFOCO

Autofoco pasivo
Hoy día, el pasivo, es el sistema de autofoco más extendido. Las dos técnicas fundamentales en las que se basa son la comparación de fases y la medida del contraste. Para un correcto funcionamiento del autofoco pasivo se requiere una iluminación suficiente y un objeto con cierto relieve. El problema se soluciona mediante una luz auxiliar que ilumine el motivo.


Evaluación del contraste
El autoenfoque por evaluación del contraste se basa en el principio de que una imagen desenfocada posee menor contraste, mientras que una imagen enfocada tiene un mayor contraste especialmente en los contornos o relieves de las figuras. Puesto que la cámara no conoce la distancia del objeto, no basta con una sola evaluación del contraste para realizar el enfoque. Una vez realizadas dos pruebas de contraste con distintos enfoques, no solo puede ya la máquina saber en qué dirección mover el enfoque, sino que por extrapolación podría hasta llegar a realizar el enfoque. Normalmente se realizan varias pruebas de contraste mientras se mueve el foco, cuando el contraste es máximo el objeto está enfocado. Este método suele fallar al enfocar superficies planas sin contraste o contornos (cielo despejado, pared, etc), así como en escenas de escasa iluminación.

El método de enfoque pasivo suele incorporarse en cámaras de video y cámaras fotográficas digitales compactas.


Comparación de fases
El método de comparación de fases es el mejor y más antiguo sistema de enfoque pasivo. Sin embargo es un método complejo y requiere un sensor especial. La dirección del enfoque puede determinarse desde la primera medición.

El método fue empleado en el chip Visitronic de Honeywells en 1976. La primera cámara fotográfica en incluirlo fue la Konica C35-AF. El principio se basa en la triangulación de la distancia del objeto, mediante el uso de dos sensores a través de la misma lente, la distancia se determina por la diferencia de las imágenes captadas por ambos sensores. El resultado es un enfoque rápido y preciso. Debido a su alto coste y complejidad, su uso queda restringido a algunas cámaras réflex de alta gama.


Iluminación auxiliar
Para solucionar el problema de los enfoques pasivos por falta de luz, se usa una iluminación auxiliar.

La luz auxiliar suele ser roja o infrarrojos (invisible). No se trata de una iluminación homogénea, sino de la proyección sobre el motivo de un patrón de luz con líneas verticales. La ventaja de éste patrón de líneas es que posibilita el enfoque incluso en superficies planas que de por sí no presentan ningún contraste, por lo que puede usarse incluso en situaciones de iluminación suficiente. Este tipo de luz auxiliar suele encontrarse en el flash.

Un sistema más económico suele ser el de iluminar con el propio flash mediante cortos destellos de luz. La desventaja de método es que no sirve para enfocar superficies planas sino solo objetos con contraste.


Autofoco activo
El autofoco activo, funciona en dos pasos: primero se determina la distancia del objeto, posteriormente se ajusta del enfoque en función de la distancia obtenida. El autofoco activo puede funcionar en absoluta oscuridad.


Ultrasonidos Este autofoco por ultrasonidos se incluye desde 1982 en distintas cámaras Polaroid. La ventaja es un funcionamiento extremadamente rápido pues no se realizan pruebas de enfoque. La desventaja es que no permite una elección precisa del motivo a enfocar y que no funciona a través de las lentes ni espejos pues no se trata de un sitsema óptico. Tampoco es posible el enfoque a través de un cristal (ventana, etc).


Infrarrojos El sistema de autofoco por infrarrojos suele basarse en la triangulación. La cámara emite una luz infrarroja y analiza la luz reflejada del sujeto. Suele usarse en cámaras de película compactas como las Nikon 35TiQD, 28TiQD o Canon AF35M, así como en algunas videocámaras

LA CAMARA REFLEX

Cámara réflex
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Una cámara réflex es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Ello se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos.

Existen dos tipos de cámaras réflex: las SLR (Réflex de un objetivo) y las TLR (Réflex de objetivos gemelos).

Tabla de contenidos [ocultar]
1 Ventajas e inconvenientes frente a cámaras compactas
1.1 Ventajas
1.2 Inconvenientes
2 Enlaces externos



Ventajas e inconvenientes frente a cámaras compactas
Ventajas La principal ventaja de las cámaras réflex es la concordancia de la imagen previsualizada y la final. Si una cámara tiene objetivo intercambiable, irremediablemente ha de ser réflex, pues en estos casos (con distancias focales muy grandes muy pequeñas) la imagen puede ser muy distinta si se utilizara un visor óptico.


Inconvenientes El principal inconveniente de las cámaras réflex es que son más voluminosas y pesadas que las cámaras compactas que utilizan visor óptico, y notablemente más costosas

Josef Koudelka

Josef Koudelka nace el diez de enero de 1938 en la región de Moravia, entonces Checoslovaquia. Se interesa por la fotografía a los catorce años gracias a un tal Sr. Dycka, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara réflex 6 x 6 de doble lente. En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica. Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografía para realizar su primera exposición, que tuvo lugar en (mes) de 1961 en el Teatro Semafor de Praga. Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo. Así, colabora esporádicamente con la revista Divadlo (teatro) y su interés por la música tradicional y de los rroma le lleva a hacer de los gitanos su principal sujeto fotográfico.

En 1965 es invitado por el director del Divadlo za branou (Teatro tras el puente) a fotografiar espectáculos teatrales. Y junto a Marieta Luskacová emprende varios viajes por el este de Eslovaquia con el fin de fotografiar celebraciones religiosas.

En 1966 se publica el primer libro de fotografías de Koudelka, que recoge la serie de la obra de Alfred Jarry Ubu Rey, que había sido puesta en escena por Jan Grossman.

En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”.

Expone por primera vez las fotografías de gitanos tomadas en 1961 y 1967 bajo el rótulo de Cikáni. Al año siguiente viaja a Rumanía para continuar su proyecto sobre estilo de vida de los gitanos y regresa a Praga un día antes de que comience la invasión de Checoslovaquia por Rusia. A lo largo de los días siguientes fotografía el enfrentamiento entre soviéticos y checoslovacos. Estas fotografías saldrán de Checoslovaquia en 1969 por mediación de Anna Fárová y serán distribuidas por la Agencia Magnum, entonces presidida por Elliott Erwitt, a las revistas y periódicos de mayor relevancia internacional (Look, The Sunday Times Magazine y Época) sin que se mencione el nombre de su autor para protegerle de posibles represalias. Este relato visual “de un fotógrafo checo” le valdrá el Premio Robert Capa del Overseas Press Club.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. Hasta 1980, gracias al asilo político de Inglaterra, fija su residencia en Londres y se dedica a recorrer diversos países europeos fotografiando celebraciones populares, escenas cotidianas y gitanos.

En 1971, Elliott Erwitt le propone unirse a la cooperativa Mágnum Photos y Koudelka acepta ser miembro asociado. Es entonces cuando conoce a Henri Cartier-Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con quienes mantendrá una relación muy cercana. Koudelka reconoce que trabajando con Robert Delpire aprendió de fotografía más que nunca en su vida y que éste es la persona que mejor conoce su obra, a lo que ayuda el hecho de que sea el editor de la mayor parte de los libros de Koudelka.

El Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MoMA) rinde homenaje al fotógrafo organizando una exposición individual con el título de Josef Koudelka. Y en ese mismo año, 1975, Robert Delpire publica en París el libro Gitans: la Fin du Voyage (Gitanos: el final del viaje), que recibirá el Premio Nadar tres años más tarde.

En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se naturaliza francés.

En 1986 es invitado por la Mission Photografique de la DATAR a formar parte, junto a otros fotógrafos, de un proyecto cuyo objetivo es documentar la diversidad de paisajes, tanto urbanos como rurales, de Francia. Tras probar a hacer fotografías en París, Normandía y Bretaña, se decide por la región de Lorena, donde la reestructuración de la industria metalúrgica estaba produciendo grandes cambios en el terreno. Con esta experiencia comenzará a emplear sistemáticamente cámaras panorámicas, pues ya realizaba fotografía panorámicas desde 1958.

Hasta hoy en día, Josef Koudelka ha recibido prestigiosos galardones en reconocimiento a su labor, como el Premio Cartier-Bresson, la Medalla de la Royal Photographic Society o el Premio de la Hasselblad Foundation Photography y ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura Francés.

Eugenio Courret

Eugenio Courret (1841-190?) [editar]Fotógrafo francés, llegó a Lima en 1860 para trabajar como camarógrafo en el estudio de Eugene Maunoury. En 1863, funda con su hermano Aquiles el estudio “Fotografía Central”. Posteriormente en 1887 deja el estudio a Adolphe Dubreuil. Años después, en la década del 90, retorna a Francia donde prosigue su labor fotográfica. El estudio Courret quiebra definitivamente en 1935, el archivo contaba entonces con más de 150,000 negativos . Esta quiebra origina que se paguen a muchos de sus trabajadores con parte de los negativos de vidrios, entre aquellos que reciben tal pago esta la familia Rengifo quienes conservan el archivo (aproximadamente 54,000 placas) quienes en 1987 ofrecen a la Biblioteca Nacional del Perú para que las resguarde.

Cronología del Estudio Courret

1830 Nace Aquiles Courret, hermano de Eugenio, en Angalne (Francia). Fueron sus padres Francisco Courret (según alguna referencias peleo en la Batalla de Waterlló al lado de Napoleón) y Calixta Chalet. Su padre Francisco llega aproximadamente en esa fecha a Lima a dedicarse a los negocios, estableciendo una peluquería en el local de Mercaderes 197 que años más tarde se convertiría en la “Fotografía Central”.

1838 Llega al puerto del Callao Francisco Courret, su esposa y su hijo Aquiles, habían dejado en Francia su casa de Angalne del valle de Charente.

1841 Nace Eugenio Courret en Angouleme (departamento de Charente), Francia.

1842 El establecimiento de Courret H°s. es establecido por D. W. Helsby en Valparaíso. El 8 de Mayo de este año llega al Callao Maximiliano Danti, introductor del daguerrotipo al Perú. Expone vistas y retratos en la ventana del local de la modista Francesa Emilia Dubreuil en la Calle de Mercaderes.

1846(A) Aquiles, hermano de Eugenio, llega a Lima para dedicarse a los negocios.

1854 Aquiles junto a Julio Perret funda “Courret y Ca.” pero deja este negocio para unirse a su hermano, años más tarde, y crear la “Fotografía Central.”

1860-61(A) Llega al Perú como integrante de la Cia. Fotográfica de Eugene Manoury, casa representante del estudio fotográfico Nadar de Francia; trabaja como camarógrafo.

1863 Eugenio y Aquiles Courret fundan y abren su propio estudio fotográfico independiente: "Fotografía Central", que fue comparado con "Las Mil y una Noches" por los periódicos de la época. Dicho establecimiento estaba ubicado en el mismo local que perteneció a su padre Francisco, peluquero y comerciante francés establecido en Lima alrededor de la década de 1830.Sus buenas relaciones con altos personajes políticos y con instituciones francesas, le abrieron las puertas a cuanta personalidad y lugar quisieron llegar, dando lugar, paralelamente, a una fuerte rivalidad con los otros fotógrafos extranjeros y nacionales. Expertos tanto en el arte fotográfico como en los negocios los Courret tuvieron un estudio de gran auge en la sociedad limeña. En este mismo año sucede una "Crisis Fotográfica" en la que "los estudios estaban al borde la bancarrota debido a la fuerte competencia que había llevado a una baja de precio y por ende a una menor ganancia" producido principalmente por las tarjetas de visita. Por ello la firma Courret hermanos y otros 3 estudios mas (Maunoury, Garreaud y Richardson) hacen un acuerdo con el fin de fijar los precios de las fotos. Dicho acuerdo fue publicado en la "Guía de Domicilios de Lima..." de A. Fuentes ese mismo año.

1864 Eugenio regresa de su viaje a la Polinesia (iniciado en 1863) anunciando una serie de vistas de la región.

1865 1º de Mayo, la firma Courret hermanos, además de su propio estudio, adquiere y maneja otros tres locales del ex estudio Maunoury (de las calles Mercaderes, Plateros, el salón en la calle Palacio 71 y un cuarto estudio en Constitución 36, Callao). En este año ingresa a laborar como iluminista fotográfico al estudio E. Carpelet, dicha practica iluminista se mantiene hasta inicios del S. XIX.

1865-68 El estudio usa el logotipo de Nadar.

1866 El establecimiento ubicado en el Callao sufre los embates del combate del 2 de Mayo.

1868 La firma Courret cambia el escudo de armas francés por el Peruano, por perder el privilegio de ser corresponsales de Casa Nadar de París. Eugenio y Aquiles junto a Carlos Luis Rowsell forman una sociedad en Valparaíso para sacar retratos fotográficos en la ciudad de Valparaíso, Chile por un plazo de 3 años.

1869 El estudio gana la medalla de oro en la Exposición Industrial de Lima por una composición pictórica fotográfica del Combate del dos de mayo. Para realizarla, Courret recurrió al artista francés A. Carpelet quien utilizó como modelo una fotografía tomada en el momento del enfrentamiento. Como parte del logo aparece la medalla de oro ganada en dicha exposición. Eugenio viaja a Europa trayendo maquinaria y materiales fotográficos nuevos.

1872 El estudio gana nuevamente la medalla de oro además la de plata en la Exposición Industrial de Lima. Obtiene los derechos exclusivos para fotografiar los eventos y la infraestructura de la exposición. El 31 de enero de este año inicia sus tramites en el arzobispado de Lima para contraer matrimonio con Emilia Baserre, Parisiense de 21 años de edad e hija de Emilio Baserre y Luisa Cortade. Se casaron en el Sagrario de la Catedral de Lima.

1873 Antes de fallecer Aquiles deja a cargo del estudio a Eugenio quien hasta entonces se encargaba de la labor fotográfica. El estudio cambia de nombre y aparece como "E. Courret", Eugenio Courret queda como único representante de la firma. El estudio de aquel entonces ofrecía todos los tipos y tamaños de fotografía y una amplia gama de servicios.

1875 Eugenio y Richardson son contratados por Meiggs para realizar labores graficas de las obras del ferrocarril del centro.

1877 Para otros Aquieles regresa a Francia en donde años más tarde fallece.

1878 Aquiles participa en la en la Exposición Universal de París con 4 cuadros al óleo de tipos populares del Perú.

1887 La razón social del Estudio cambia a Courret y Cia. Lo que hace suponer una asociación con otros fotógrafos, lo más entendible es que transfiere sus estudios a Adolphe Dubreuil, uno de sus mejores operarios.

1887-98 La firma figura como "E. Courret y Cia.". Se reduce a un solo local.

1892 Parte a Francia definitivamente Eugenio por problemas de salud.

1893-98 Continua activo Courret en Paris fotografiando inmigrantes peruanos en el país galo.

1895 Ingresa al establecimiento a laborar Luis Ugarte.

1900 "E. Courret y Cia." Gana la medalla de oro en la Exposición Universal de París al exponer sus trabajos.

1905 Se estrena la nueva fachada, de estilo art nouve del estudio Courret la noche del 22 de mayo.

1905-08 Trabaja A. Dubreuil junto a Teofilo Castillo en la dirección del estudio.

1906 En el estudio se realiza el primer Vernidissage de Lima con obras del taller de pintura de Teofilo Castillo.

190? Murió en Francia, Eugenio, pocos años después.

1914 Adolphe Dubreil figura como el dueño del estudio Courret.

1929 En la obra "Lima: la ciudad de los Virreyes" figura como "Fotografías Dubreil" Mercaderes 463, fundado en 1864. Dirigida por Rene Dubreuil en el que señala "La buena dirección del negocio ha logrado formar un valioso archivo de negativos que abarca desde el año 1864 hasta la fecha. Allí esta minuciosamente catalogado todo cliente que ha utilizado los servicios de esta casa. El número de negativos llega 157,800."

1935(A) Quiebra definitivamente del estudio "E. Courret y Cia." causada por varios factores entre los cuales podemos señalar: la caída del gobierno de Leguía, la crisis mundial, la desaparición de las revistas ilustradas "Mundial" y "Variedades" (algunos de sus principales clientes), y finalmente, la introducción al mercado de las cámaras instantáneas por la firma Kodak, y la consiguiente proliferación de fotógrafos aficionados.

1986 La Biblioteca Nacional del Perú adquiere 54,000 negativos en vidrio y acetato pertenecientes a este importante archivo fotográfico.

1999 Desde Diciembre de este año el archivo se puede consultar vía Internet, gracias a un convenio entre la Biblioteca Nacional del Perú y Telefónica

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Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Eugenio_Courret"

Eugéne Atget

Eugéne Atget
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Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironde (Francia)- 4 agosto 1927, Paris - es un fotógrafo frances.

Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulate. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos historicos de Paris consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejaN la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.

En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descrubrir desde los años 80.

La Bibliothèque nationale de France (Paris) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.

Músicos en una calle de Paris

Hotel Thiroux de Montsauge - 1906

Colonne Moris, Place Saint-Sulpice, Paris, 1910-1911

Joseph Nicéphore Niépce

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Joseph-Nicéphore NiepceJoseph-Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Borgoña, 7 de marzo de 1765 - † Saint-Loup-de-Varennes, 5 de julio de 1833) fue un terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos y, junto a Daguerre, la fotografía.

Niépce estaba interesado en la litografía, y comenzó sus experiencias con la reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte, utilizando para ello los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Sus primeros experimentos, en 1813, utilizaban gomas resinosas expuestas directamente a la luz del sol. Su primer éxito en la obtención de medio sensible a la luz vino con el uso de asfalto disuelto en aceite.

Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la idea de emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre y el peltre.

Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.

Un par de años después, ya en 1818, obtiene imágenes directamente en positivo, sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las obtenidas imágenes únicas.

Al procedimiento utilizado lo llamó heliografía (del griego Ηλιος, helios, «sol», y γραφια, grafía, «escritura» o «dibujo»), distinguiendo entre heliograbados —reproducciones de grabados ya existentes— y puntos de vista —imágenes captadas directamente del natural por la cámara—.


Punto de vista desde la ventana de Gras. La primera fotografía creada por Nicéphore Niépce en 1826.Punto de vista desde la ventana de Gras, datada en el año 1826, es la primera fotografía conocida y se conserva en la actualidad en la Universidad de Texas. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 8 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz. Para realizar esta fotografía utilizo una plancha de peltre recubierta de betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles o solubles, dependiendo de la luz recibida. Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente de aceite esencial de lavanda y de aceite de petróleo blanco, disgregándose las partes de barniz no afectadas por la luz. Se lavaba con agua pudiendo apreciar la imagen compuesta por la capa de betún para los claros y las sombras por la superficie de la placa plateada.

En vista de que no resolvió la cuestión de la fijación de las imágenes, ya que las mismas perdían nitidez rápidamente con el paso del tiempo hasta resultar invisibles, no se le considera el inventor único de la fotografía, asociándose por ello su nombre al de Daguerre, quien incorporó al procedimiento la utilización del yoduro de plata y el vapor de mercurio.

A través de los ópticos Chevalier, Niépce entró en contacto con Daguerre con quien firmó un contrato de constitución de una sociedad, el día 14 de diciembre de 1829, para el desarrollo y comercialización del invento.

A causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes (Borgoña), falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo.

Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce titulada Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Nic%C3%A9phore_Ni%C3%A9pce"

Louis Daguerre

Louis Daguerre
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Louis-Jacques-Mandé DaguerreLouis-Jacques-Mandé Daguerre (Cormeilles-en-Parisis, Francia, 18 de noviembre de 1787 – Bry sur Marne, 10 de julio de 1851) estudió arquitectura y se dedicó a la pintura y a la fotografía. Fue el inventor, junto a Joseph-Nicéphore Niépce, de la fotografía.

Daguerre era un pintor de segunda fila en el París de la primera mitad del siglo XIX que había logrado un cierto éxito comercial con el invento del Diorama, un espectáculo que consistía en formar la ilusión del espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un juego de luces, ruidos y sonidos, etc. para que pareciese que el espectador estuviese en diversas situaciones como una batalla, una tempestad, etc. Para que todo esto fuera creíble las pinturas debían ser muy realistas, por esta razón, a Daguerre le interesaba la aplicación de la cámara oscura al Diorama.

Necesitado de material óptico entró en contacto con los Chevalier, padre e hijo, y éstos a su vez le pusieron en contacto con Niépce en el año 1826.

A través de diversas cartas Daguerre se ofreció a colaborar con Niépce en sus trabajos pero éste siempre se negó, dada cuenta que, mientras Daguerre no aportaba nada, Niépce era el responsable de todo el procedimiento hasta esa fecha. Sin embargo, la muerte del hermano de Niépce y los problemas financieros limitaron las investigaciones de éste, motivo por el cual el día 14 de diciembre de 1829 Daguerre logró la firma de un contrato de asociación con él para el desarrollo y comercialización del invento. En este contrato se reconocía a Niépce como inventor de la fotografía, fijando la aportación de Daguerre a simples mejoras en la cámara oscura y la litografía.

A partir de este momento Daguerre comienza a trabajar en la mejora del procedimiento químico con el empleo del yoduro de plata y el vapor de mercurio, así como con la disolución del yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.

Sin volver a verse, en el año 1833 fallece Niépce sin que el invento se hiciera público y dos años más tarde Daguerre aprovecha los problemas económicos del hijo de Niépce para modificar el contrato suscrito, lo que supone que el nombre de Daguerre pase a aparecer por delante del nombre de Niépce a cambio de que los derechos económicos del padre le sean reconocidos al hijo.


daguerrotipoAl morir Niépce, Daguerre perfeccionó el daguerrotipo, del cual se conseguía una imagen a partir de una capa sensible de nitrato de plata, la cual se extendía en una base caliente de sal común, revelada con vapor de mercurio. La innovación de Daguerre consistió en sumergir la plancha en la solución, esto hacia que quedara fijada.

En ese mismo año se produce una tercera modificación del contrato que supone la desaparición del nombre de Niépce y que el procedimiento pase a llamarse «Daguerrotipo».

De este mismo año es el daguerrotipo más antiguo conocido. Bajo el nombre de Composición nos encontramos ante un bodegón de diversos objetos que presenta una imagen más volumétrica, con mayor profundidad y mejores relieves.

Durante los años 1838 y 1839 se dedicó a promocionar el invento por diversos medios como su intento de crear una sociedad de explotación por suscripción pública que fracasó o las operaciones de tomas de vistas realizadas por las calles de París. Gracias a sus actuaciones logró contactar con François Aragó, científico y político liberal, quien en el año 1839 presentó ante la Academia de Ciencias Francesa públicamente el invento.

Posteriormente, el Estado Francés compró el invento por una pensión vitalicia anual de 6.000 francos para Daguerre y otra de 4.000 francos para el hijo de Niépce, con el objetivo de poner a disposición de la ciudadanía el invento, lo cual permitió que el uso del daguerrotipo se extendiera por toda Europa y los Estados Unidos.

Con la aportación de Daguerre se consiguió reducir a un período comprendido entre los cinco y los cuarenta minutos el tiempo necesario para la toma de imágenes, frente a las dos horas necesarias con el procedimiento de Niépce, lo cual suponía un salto enorme en quince años.

Daguerre logró un reconocimiento unánime por todo el mundo, recibiendo nombramientos de academias extranjeras y condecoraciones francesas y extranjeras, ocultando los verdaderos logros de Niépce como predecesor de sus investigaciones. Poco a poco la verdad se fue conociendo y finalmente acabó reconociendo las aportaciones de Niépce.

Hasta la fecha de su muerte, el 10 de julio de 1851, en Bry sur Marne, se dedicó a la fabricación en serie de material fotográfico, junto a su cuñado Giroux, y a la organización de demostraciones en público del invento. Nada nuevo aportó a un procedimiento que por esas fechas se extendía por el mundo.

El 19 de agosto de 2006 se le dedica un monolito en el Photomuseum (museo vasco de la fotografía) de Zarauz (Guipúzcoa

LA CAMARA OSCURA

Cámara oscura
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La cámara oscura (del latín camera obscura) es un instrumento óptico capaz de obtener la proyección plana de una imagen sobre la parte de su superficie interior. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los dispositivos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras.


Esquema de una cámara oscura de 1772 aproximadamenteConsiste en una gran cámara estanca a la luz en la que entran los rayos luminosos reflejados por los objetos del exterior únicamente a través de un pequeño orificio practicado en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta en la pared opuesta una imagen del exterior invertida vertical y horizontalmente.

Tabla de contenidos [ocultar]
1 Uso
2 Historia
3 La cámara oscura como espectáculo
4 Véase también
5 Enlaces externos
6 Cámaras oscuras, medicina



Uso [editar]Fue utilizada antiguamente como ayuda para el dibujo. La imagen, proyectada sobre papel u otro soporte, podía servir de pauta para dibujar sobre ella. Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple orificio como objetivo). Estas cámaras estaban muy limitadas por el compromiso necesario al establecer el diámetro de la abertura: suficientemente reducido para que la imagen tuviera una definición aceptable; suficientemente grande para que el tiempo de exposición no fuera demasiado largo. El uso de lentes o juegos de ellas como objetivo convirtió definitivamente la cámara oscura en cámara fotográfica y desde ese momento fue evolucionando la cámara en diferentes épocas.


Historia [editar]Probablemente la cámara oscura no tuvo un inventor concreto: cualquier habitación donde hubiera una grieta en una puerta o ventana podía actuar como cámara oscura sin que nadie lo pretendiera. Así la observación por unos y por otros de este fenómeno dio lugar a la generalización de su conocimiento.

Para comprobar sus teorías sobre la luz, Aristóteles construyó la primera cámara oscura de la que se tiene noticia en la historia. La describió de la siguiente manera: «Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero, se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente». En el siglo XIII Roger Bacon conocía ya el fenómeno de la cámara oscura. Pero parece que hasta el siglo XV con Leonardo da Vinci no se le dio aplicación práctica como instrumento auxiliar para el dibujo. En el siglo XVI se construyen cámaras portátiles con objetivo de mayor diámetro dotado de lentes, con lo que la imagen ganaba en definición y luminosidad. Artistas de los siglos XVI y XVII, como Johannes Vermeer y otros usaron cámaras oscuras para ayudarse en la elaboración de sus bocetos y pinturas.


La cámara oscura como espectáculo [editar]Algunas cámaras oscuras fueron construidas como atracciones turísticas, pero ya quedan cada vez menos. Algunos ejemplos pueden encontrarse todavía en Grahamstown (Sudáfrica), en la Torre Tavira en Cádiz, en el Alcázar de Jerez de la Frontera y la Torre de los Perdigones en Sevilla (España), en Plaza Vieja en La Habana (Cuba) y en Dumfries y Edimburgo (Escocia). En España, también puede visitarse la Cámara Oscura de Peña Cabarga (Santander, Cantabria) que abrió sus puertas el 18 de mayo de 2007 y ofrece unas maravillosas vistas de la Bahía de Santander, pudiéndose llegar a ver en días despejados parte de las provincias limítrofes de Vizcaya y Burgos

TECNICAS

Aplicaciones científicas [editar]La fotografía ha constituido desde sus inicios un medio de gran utilidad en la investigación científica. Gracias a su utilización a nivel científico se tiene la posibilidad de registrar fenómenos que no pueden ser observados directamente, como por ejemplo aquellos que se desarrollan en tiempos muy breves (fotografía ultrarrápida), o extremadamente lentos (fotografía de baja velocidad), aquellos que acaecen a escala microscópica, aquellos que afectan a regiones muy vastas de la Tierra o del Espacio (fotografía aérea, orbital, astronómica), aquellos ligados a radiaciones no visibles al ojo humano, etc.

Entre las más importantes aplicaciones de la fotografía en el campo científico destacan la fotografía ultrarrápida y estroboscópica, la fotografía estereoscópica, la fotografía infrarroja y ultravioleta, la fotografía aérea y orbital o la fotografía astronómica.


Fotografía estereoscópica [editar]Artículo principal: Fotografía estereoscópica
La fotografía reproduce los objetos sobre una superficie plana y la ilusión de la profundidad es lograda exclusivamente gracias a la perspectiva y al claro-oscuro. Sin embargo, resulta posible reproducir el efecto de la visión binocular observando separadamente con nuestros ojos dos imágenes cogidas desde puntos de vista a distancia pupilar. Las primeras imágenes estereostópicas de la Historia de la fotografía son unos daguerrotipos del año 1842. La fotografía estereoscópica viene siendo utilizada principalmente para fines cartográficos.


Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta [editar]Artículo principal: Fotografía infrarroja
Artículo principal: fotografía ultravioleta
Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada.

Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz ultravioleta sustituyen a la emulsión de haluros de plata de las películas normales en diversos procesos, para producir imágenes fotográficas con la gama ultravioleta del espectro. En uno de estos procesos la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos ultravioleta se endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no endurecidas hace surgir una imagen fotográfica. En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen. Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de modo que se obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película fotocromática, creada por la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz ultravioleta. Se pueden obtener enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura granular. Por ejemplo, se pueden conseguir ampliaciones de una película que contenga un libro entero en un espacio del tamaño de un sello o estampilla de correos.


Fotografía aérea y orbital [editar]Artículo principal: Fotografía aérea
Artículo principal: fotografía orbital
La fotografía supone un análisis de la superficie terrestre mediante el empleo de máquinas fotográficas instaladas a bordo de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones en el campo de la investigación arqueológica o geológica, así como en agricultura para recabar información sobre la naturaleza de los terrenos y la extensión de los cultivos, o en el campo militar para obtener información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza como método de prospección para descubrir estructuras en el subsuelo sin necesidad de excavar.

La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.


Fotografía como arte [editar]La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que éste era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto.Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.

Cuando los conocimientos en óptica estuvieron lo suficientemente avanzados, los pintores descubrieron la manera de proyectar una imagen sobre una película de papel con aceite. Lo que les permitía tomar notas rápidamente con la desventaja de una inversión de la imagen y un reducido tamaño. Esto coincide con el auge del realismo en la pintura.

Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara a la película.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con video y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.








Derechos de autor [editar]El derecho de autor considera a las imágenes fotográficas a los fines de tutelar las imágenes de personas o de aspectos, elementos o hechos de la vida natural o social obtenidas mediante el empleo de un procedimiento fotográfico o proceso análogo.

Todos los autores sean profesionales o no tienen, por el solo hecho de haber hecho su obra, en exclusiva una serie de derechos de carácter económico y moral sobre ésta.

Los derechos morales definen el respeto de su autoría sobre la obra y por tanto el deber de hacer constar siempre su nombre, y el derecho que no se modifique la obra sin su consentimiento. Los derechos morales son irrenunciables e inalienables. Por tanto han de ser siempre respetados y no tiene valor la renuncia.

Corresponde al fotógrafo, salvo en algunas cuestiones relativas a los retratos fotográficos, el derecho exclusivo de reproducción, difusión y venta. Sin embargo, si la obra ha sido obtenida en el marco de contrato de arrendamiento de servicios o de trabajo, y bajo expreso consentimiento del autor, el derecho de reproducción, difusión y venta puede corresponder al responsable del encargo contractual, mientras que los derechos de autoría son irrenunciables. La duración de los derechos sobre la fotografía viene determinada por el acuerdo legal entre el autor y el responsable del encargo contractual.

El Derecho también protege la privacidad del sujeto fotográfico. De hecho, está permitida la difusión de fotografías sin el permiso del sujeto sólo en los casos de personajes públicos, entendidos como personas que, por trabajo o cargo público, resultan de notoriedad pública. En el resto de los supuestos, el fotógrafo titular de la obra debe obtener el permiso del sujeto a la publicación y exposición pública. En caso de hacerlo sin permiso del sujeto fotografiado, este tiene derecho a denunciar al fotógrafo.

LA HISTORIA

Fotografía [editar]
Antecedentes [editar]El antecedente de la creación fotográfica, es la necesidad del hombre moderno, de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística, como lo había sido hasta la fecha. Como antecedentes de la fotografía se suele llamar a la cámara oscura, a diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades.

1558, Giovanni Battista della Porta por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora, una lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales actuaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto o Jean Auguste Dominique Ingres, parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneció al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos.

El Physionotrace para hacer perfiles inventado por Gilles Louis Chretien despertaron en la burguesía francesa el apetito por la iconografía, así, pocas décadas faltaban para la aparición del invento que nos interesa.

1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.


Inicios [editar]La Historia de la Fotografía inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Niepce comenzó sus investigaciones, necesitando ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado Daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que tenía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el Daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial. Es un hecho que gracias a la enorme demanda de estos retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada enormemente.


Innovaciones técnicas y científicas [editar]
Daguerrotipo de 1837.Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Por otro lado, los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.


La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.


Géneros fotográficos en el siglo XIX [editar]
Autoretrato de Nadar.Los primeros géneros cultivados por los fotógrafos del momento fueron el retrato fotográfico -donde destacaron figuras como Nadar, Disdéri o David Octavius Hill-, y la fotografía de paisaje -género en el que debemos incluir las imágenes de paisajes de los pioneros de la fotografía, Niepce, Daguerre, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot o proyectos como las "Excursiones daguerrianas" y la iniciativa de carácter científico del Barón Jean Baptise Louis Gros.

Posteriormente, y paralelamente a lo ocurrido en otras disciplinas artísticas, se desarrolló la fotografía academicista, muy apoyada por la clase política dominante, en la que destacaron las figuras de Oscar Gustav Rejlander, de Henry Peach Robinson, Disdéri o Julia Margaret Cameron, así como la recuperada obra del español Fernando Navarro.


El Pictorialismo [editar]Dentro de la controversia existente acerca de si la fotografía podía ser arte o no, surgió un movimiento llamado pictorialismo para ofrecernos una visión de las imágenes fotográficas como objetos artísticos únicos, que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

Sus representantes más destacados fueron Peter Henry Emerson, Robert Demachy, y Alfred Stieglitz. Este último, de nacionalidad estadounidense, al regresar a Nueva York luego de su formación en Europa, creó el grupo Photo-Secession en 1902, y a partir de él difundió la fotografía artística en USA, a través de la revista Camera Work y la galería 291. Si bien Photo-Secession comenzó siendo un grupo de fotografía pictorialista, evolucionó buscando mayor autonomía para la obra de arte fotográfica y sentó las bases de los movimientos de fotografía pura que surgieron en los años 30: el Grupo f/64 en Estados Unidos y la Nueva objetividad en Alemania. Ambos movimientos, opuestos a la manipulación pictorialista y a la experimentación vanguardista con la fotografía, buscaban una belleza específicamente fotográfica, registrando objetos simples y cotidianos, haciendo hincapié en la composición y en el manejo de la técnica fotográfica "pura".


Fotografía documental [editar]La fotografía documental ha sido quizá el género más desarrollado desde los inicios de la fotografía, por aquella asociación inmediata que se hiciera de la técnica fotográfica a una mayor "objetividad" en la captación de la realidad que otras formas de representación visual.

En ese sentido, recordemos que el invento de la fotografía se presentó en la Academia de Ciencias de París, y su presentador, Arago, hizo un fuerte énfasis en las posibilidades que brindaba este nuevo invento para la arqueología, la biología, la astronomía y para la divulgación de estas ciencias, en la medida que permitía a muchas más personas ver imágenes de fenómenos distantes e inaccesibles.

Las primeras aplicaciones documentales fueron la fotografía de viajes y la fotografía de guerra.

La fotografía de guerra en el siglo XIX aparece basada en una idea primitiva de reportaje fotográfico, en la que destacaron Roger Fenton en la Guerra de Crimea (1855), con la primera documentación fotográfica de guerra que se conoce, realizada con muchas limitaciones técnicas (colodión húmedo) e ideológicas, puesto que la documentación de Fenton estuvo financiada por el gobierno para que sus fotos llevaran tranquilidad a los familiares de los soldados.

Poco después, Mathew B. Brady, documenta la Guerra de Secesión en Estados Unidos (1865), como un proyecto comercial independiente: la realización de un álbum al finalizar el conflicto. También encontramos otras iniciativas similares en la Guerra de la Triple Alianza (Argentina-Brasil-Uruguay contra Paraguay en 1865) por Esteban García, por encargo de la casa Bates de Uruguay, y en la Guerra del Pacífico (1879-1884) a cargo de la sociedad Díaz y Spencer (del Chileno Carlos Díaz Escudero y el estadounidense Eduardo Clifford Spencer).

Es importante recordar que el fotoperiodismo aún no se desarrolla debido a que la técnica de impresión de fotografías en los periódicos y revistas (el sistema de medios tonos u Impresión Offset) se inventa en 1880.

En México, a principios del siglo XX, destacaron en este género, la familia Casasola, estirpe de fotógrafos que llenaron de imágenes más de cuatro décadas del México revolucionario y posrevolucionario.

Ajenos a estos movimientos, y centrados en trabajos de documentación fotográfica de la realidad, desarrollan sus trabajos fotógrafos como Arnold Genthe, Frances Benjamin Johnston, entre otros.


Fotografía en el siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial [editar]
Fotografía aérea de Colonia, destruida por bombardeos aliados durante la Segunda Guerra MundialLa aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.

El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.

La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía. En 1880 se inventó la tećnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora del actual procedimiento de offset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash (de magnesio, en aquel entonces). Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades de trabajar el "discurso fotográfico documental".

El fotográfo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir de 1925. Salomon créo un estilo fotográfico documental conocido como foto live o fotografía cándida. Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneamente, sin pose ni arreglo, muchas veces sorprendidos por el fotográfo.


La Fotografía a partir de 1945 [editar]Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la denominación genérica de artes visuales.

Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al desarrollo de nuevas visiones de la Fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en color, gracias a la obra de William Eggleston.

En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau y Robert Frank.

Cronología

1947 Se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de fotógrafos preocupados por la manipulación de la información fotográfica en los medios de prensa.

1950, nuevos procedimientos industriales permiten incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.

1960, que los primeros VTR (Video Tape Recorder que en 1951,ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos) son utilizados por NASA, para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.

1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga Acoplada) Este dispoditivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.


El siglo XXI para la Fotografía [editar]Nuevos retos se plantean para la fotografía en el siglo XXI con la irrupción de la holografía y la fotografía digital. Esta última ha venido a solucionar uno de los verdaderos problemas de los fotógrafos ubicados en lugares remotos, como los corresponsales, que no tenían acceso a medios de procesado de fotografías. La búsqueda de nuevos medios para poder servir imágenes tan pronto como fuera posible, se encuentra en la base de la aparición en 1990 de la primera cámara digital.

Aunque al principio su precio las hacía inaccesibles para el gran público, hoy en día las cámaras digitales están al alcance de la mayoría, disminuyendo los costos de los materiales y en paulatino aumento de su calidad técnica.

En el campo de la producción existen unas últimas tendencias fotográficas que nos permiten adivinar cómo será el camino a recorrer en este inicio de siglo.


Véase también [editar]Historia del Arte
Fotógrafos
fotografia
daguerrotipo
calotipo

Enlaces externos [editar]Enciclopedia de grandes fotógrafos (En español)
Maestros de la Fotografíaen inglés
Zone Zeroen español. Dirigido por Pedro Meyer (México). Portfolios de Fotografía contemporánea. Abundante material sobre Fotografía digital.
Moholyen español. Desde Argentina. Portfolios de Fotografía contemporánea.
FNAen español. Fotografia de Naturaleza Argentina.
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